بودكاست التاريخ

المشروع الفني: ذهب ما قبل الكولومبي - تيريسيتا فرنانديز

المشروع الفني: ذهب ما قبل الكولومبي - تيريسيتا فرنانديز


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

>

تيريسيتا فرنانديز على ذهب ما قبل كولومبيان

"نحن نعلم أن هذا يمثل العظمة ، ومع ذلك ليس لدينا سوى عدد قليل من الأمثلة للإشارة إليها."

The Artist Project عبارة عن سلسلة عبر الإنترنت لعام 2015 نمنح فيها الفنانين فرصة للرد على مجموعتنا الموسوعية.


مكان الكشف: مقابلة مع تيريسيتا فرنانديز

سراب، 2015. عرض التثبيت. ماديسون سكوير بارك ، نيويورك
2015-2016. © تيريسيتا فرنانديز. الصورة: إليزابيث بيرنشتاين. بإذن من الفنان ليمان موبين ، نيويورك وهونج كونج ، وأنتوني ماير للفنون الجميلة ، سان فرانسيسكو.

تيمن خلال منحوتاتها ورسوماتها وتركيباتها ، تعمل الفنانة تيريسيتا فرنانديز باستمرار على توسيع تعريف المناظر الطبيعية ، ونقل مفاهيم المكان إلى عالم مفاهيمي يغوي المشاهد ويتحدى في نفس الوقت. السؤال أين أنا؟ يتضخم في ماذا حدث هنا؟, من كان هنا قبلي؟، جنبًا إلى جنب مع الميتافيزيقي كيف يحدد وجودي هذا المكان وتجربتي فيه؟

ليندسي ديفيس: لقد قلت إن كلمة "منظر طبيعي" غالبًا ما تستخدم ببطء. أرى عملك على أنه إنشاء مناظر طبيعية نحتية ، واحدة مع التركيز على الأرض و "سكيب يتطلب تحرك الأجسام داخلها وحولها. كيف ترى عملك يستخدم المفاهيم التقليدية للمناظر الطبيعية ، وكيف ترى أنه يعمل ضد تلك المفاهيم نفسها؟

تيريسيتا فرنانديز: لقد استخلصت الكثير من الأفكار الراسخة عن المناظر الطبيعية ، لكنني أيضًا أشكك فيها وأحاول تقديم سلسلة مختلفة جدًا من العدسات لتضخيم معنى كلمة "منظر طبيعي". ولذا ، عندما أقول إنها تستخدم بطريقة كسولة ، فهذا يعني أنه ، خاصة بالنسبة للغرب ، نستخدم هذه الكلمة لتعني إلى حد كبير التمثيل التصويري التقليدي الذي يأتي من رسم المناظر الطبيعية الأوروبية و / أو رسم المناظر الطبيعية الأمريكية. ولذا فهذه فكرة محدودة للغاية عن ماهية فكرة المناظر الطبيعية ، خاصة إذا نظرت إلى التقاليد غير الغربية - وليس فقط التقاليد ، ولكن تصورات لماهية المكان والمناظر الطبيعية. إنها لغة مختلفة تمامًا ، ومجموعة مختلفة تمامًا من النقاط المرجعية لفهم فكرة المكان والموضع الخاص به كملحق.

بلايند لاند (المرآة الخضراء)، 2013. طبقتان من الفولاذ المقاوم للصدأ المصقول بدقة ، 46.5 × 70.5 بوصة. بإذن من الفنانة ليمان موبين ونيويورك وهونج كونج.

LD: يبدو أن التجسيم في منحوتاتك يمنح عملك شعورًا خياليًا - كما لو كانوا من كوكب آخر مشابه لكوكبنا ، أو أن عناصر عالمنا تُرى من خلال منشور من الأناقة البسيطة. هل هناك مكان معين تأمل أن ينقل عملك المشاهدين إليه ، أو شعور معين تأمل أن يمنحهم ذلك؟

TF: أكثر من شعور معين ، رد الفعل الذي أقدره أكثر في المشاهد هو رد الفعل الحميمي. إذا كنت تفكر في الأماكن التي لديك اتصال بها ، فلديك علاقة حميمة ذاتية للغاية وشخصية للغاية مع تلك الأماكن.

ما أطلبه هو & # 8220 أين أنا؟ كيف يوجد هذا المكان في مخيلتنا الجماعية؟ & # 8221 بهذه الطريقة ، فإن المناظر الطبيعية تعني فكرة مبنية بالكامل بعيدة جدًا عن أي مشهد مادي أمامك.

هذا الشعور بالألفة هو ، على ما أعتقد ، ما هو قابل للنقل. إنها فكرة مرتبطة بالظواهر التي تتعلق ، بسبب عدم وجود كلمة أفضل ، بنوع من أحلام اليقظة المهمة. يتعلق الأمر بإسقاط نفسك على شيء ما ، والتنقل عبر الفضاء دون الحاجة إلى التحرك جسديًا خلاله. إنها طريقة مختلفة للعيش في مكان ما ، أو جانب آخر ، دعنا نقول ، من السكن في مكان ما. وللتجسيم حقًا علاقة بجسد المرء فيما يتعلق بالمكان. لقد صنعت أعمالًا هي إشارات إلى الجسد حرفيًا ، على سبيل المثال ، قمت بعمل سلسلة من الأعمال التي تتعلق بمناظر طبيعية ريفية محددة جدًا في كوبا تسمى فيناليس وقضيت الكثير من الوقت في كهوف فيناليس نفسها. لقد قمت بعمل سلسلة من الرسومات التي كانت هذه المناظر الطبيعية مؤطرة من داخل الكهوف. العمل الفني بعنوان فيناليس (عنق الرحم) يقترح أن فتح الكهف هو إشارة إلى الجسد الأنثوي. قطعة نحتية أخرى في تلك السلسلة كانت تسمى فيناليس (مستلق عاري). لا يوجد رقم ، عملي ليس رمزيًا في حد ذاته أبدًا ، ولكن الشكل دائمًا ما يكون ضمنيًا وغالبًا ما تكون أنت المشاهد الذي يعمل مثل شخصية في المناظر الطبيعية. لدينا هذه الفكرة التقليدية عن "الشكل في المناظر الطبيعية" ، لكن في عملي أحاول إعطاء معنى مختلف لما يعنيه ذلك ، إحساسًا بأنك في المناظر الطبيعية ولكن المناظر الطبيعية موجودة فيك أيضًا. بهذه الطريقة ، يصبح المشهد الطبيعي شيئًا غير ثابت ، يصبح تشكيل ما تعتقده عن مكان ما شخصيًا تمامًا ومتطورًا باستمرار.

بلايند لاند (المرآة الخضراء) (التفاصيل) ، 2013. طبقتان من الفولاذ المقاوم للصدأ المصقول بدقة ، 46.5 × 70.5 بوصة. بإذن من الفنانة ليمان موبين ونيويورك وهونج كونج.

LD: أين تتقاطع أفكار نقل المشاهدين إلى مكان آخر وتحويل محيطهم الحالي في عملك؟

TF: يعمل العمل مثل الموجه. إلى حد كبير عندما تكون في المشهد الحقيقي ، فإن نصف ما تراه هو في الواقع ما تجلبه إليه. يطلب منك العمل ملء الفراغات. مرة أخرى ، لدي هذه المعاملة بالمثل مع المشاهد ، لكن العمل لا يمكن أن يخلق هذا التأثير فقط. هناك نوع من الاستعداد للمشاركة ، لإسقاط هذا الشيء ، لكشف شيء تجريبيًا يعتبر ضروريًا.

غالبًا ما أهتم بالمواد الملغومة - مواد من أماكن معينة. على سبيل المثال ، الجرافيت الذي استخدمته من سريلانكا. لقد استخدمت الذهب والبيريت وخام الحديد. هذه المواد هي حرفيا أجزاء من الأماكن. يتم استخراجها فعليًا من أماكن معينة - بهذا المعنى جزء من منظر طبيعي حقيقي. عندما أقوم بإنشاء صورة جديدة باستخدام هذه المواد الخام ، يتم تحميلها بأكثر من شيء في وقت واحد. يصبح في نفس الوقت المشهد الطبيعي الذي جاء منه كمادة ، ولكن أيضًا الصورة الثانوية التي تم إنشاؤها ، والتي قد تكون مختلفة تمامًا وغير مرتبطة. لذا فأنا ألعب بهذه الفكرة القائلة بأننا دائمًا في العديد من الأماكن في وقت واحد وأن كل مكان نفكر فيه هو في الحقيقة نوع من طبقات ، أو تكديس ، للعديد من الأماكن ، سواء كانت مادية ، أو متخيلة ، أو تذكرت.

فيناليس (مستلق عاري)، 2015. Wakkusu ® للخرسانة والبرونز والملكيت ، 48 × 64 × 101 بوصة. بإذن من الفنانة ليمان موبين ونيويورك وهونج كونج.

LD: الكثير من المنحوتات الخاصة بك تقلب الأفكار حول موضوعاتها -شلال يكاد يكون صناعيًا في إنتاجه الفردي ، بينما الكثيب هو درج تصعد إليه وليس فوقه. يبدو أن العناصر الطبيعية التي يستكشفها عملك تتطلب وجودًا بشريًا ليتم فهمها تمامًا. ما هي الطرق التي ترى بها البشر على أنهم جزء دائم الوجود من المناظر الطبيعية نفسها؟

TF: إذا نظرت إلى أفكار المناظر الطبيعية الصينية القديمة ، فهي ليست منفصلة عن المشاهد. ليس الأمر كما لو كنت في المناظر الطبيعية أو أنك كيان متميز يشاهد ما يدور حولك. أنت أكثر من عنصر متكامل من المناظر الطبيعية. أنا مهتم حقًا بنوع المعاملة بالمثل حيث تنظر في نفس الوقت إلى المناظر الطبيعية ، لكن المناظر الطبيعية تنظر إليك أيضًا. في الواقع ، أنت تقوم أيضًا بإنشاء هذا المشهد ، فأنت جزء نشط مما هو عليه. أستخدم هذه الأفكار في عملي عندما أقوم بعمل تثبيت خاص بموقع معين ، أو عندما أقوم بإنشاء مجموعة عمل تشير إلى مكان معين. أنا مهتم ليس فقط بالإحداثيات المادية للمكان ، ولكن في هذه الفكرة أننا دائمًا ما نضع أنفسنا ونبحث عن أنفسنا بنشاط ، ونعيد وضع أنفسنا في المكان المناسب. مرة أخرى ، فكرة المناظر الطبيعية ليست هذه الفكرة الثابتة ، بل هي شعور بأننا نتفاوض باستمرار ونعيد تعريف من خلال وجودنا فيها. يصبح طريقة للنظر إلى المكان كفعل واسم في نفس الوقت. لذلك لديك مكان مادي ولكنك أيضًا تضع نفسك بنشاط في مكانك.

فيناليس (مستلق عاري) (تفاصيل) ، 2015. Wakkusu ® خرسانة وبرونز وملكيت ، 48 × 64 × 101 بوصة. بإذن من الفنانة ليمان موبين ونيويورك وهونج كونج.

LD: هل يمكنك التحدث قليلاً عن عملية إنشاء عمليات التثبيت الخاصة بالموقع؟ ما هي جوانب المكان التي أنت أكثر انسجامًا معها؟

TF: عندما أفعل شيئًا خاصًا بالموقع ، أسأل نفسي ، "أين أنا؟" إنه سؤال بسيط للغاية ولكنه أيضًا سؤال محمّل جدًا اعتمادًا على كيفية طرحه. لأن التواريخ متناقضة للغاية ومنحرفة ، غالبًا ما أسأل نفسي هذا السؤال حول المكان: أين أنا تاريخيًا وجسديًا واجتماعيًا وجغرافيًا وعرقيًا؟ أين هذه الإحداثيات؟ ماذا حولي؟ ماذا سيحدث إذا قمت بحفر حفرة على عمق ثلاثمائة قدم ، ماذا سأجد؟ ماذا فوقي؟ هذه الفكرة القائلة بأن المناظر الطبيعية خلف رأسك أيضًا وتحت قدميك وفوق رأسك - بدلاً من شيء نختبره فقط من الأمام - تعني أنك تتحرك أيضًا عبر الأماكن حيث تتحرك بدورها من خلالك.

أنا أنظر إلى المكان ليس فقط كمكان مادي ، ولكن كمكان متخيل - أفكر حقًا في الأماكن والمناظر الطبيعية كتاريخ للبشر ، بدلاً من تلك المواقع الثابتة. يمكن أن تبدو المناظر الطبيعية من قرن إلى آخر مختلفة تمامًا ، وبالتأكيد إذا كانت قريبة من بيئات حضرية. وبالنسبة للجزء الأكبر ، يمكن أن تظل العديد من جوانب تاريخ الموقع المادي غير مرئية تمامًا للمشاهد الحالي.

شلال2000. ألومنيوم ، بلاستيك ، 144.09 × 144.09 × 335.83 بوصة. بإذن من الفنانة في Arco و Torino و Lehmann Maupin ونيويورك وهونغ كونغ.

ليزا: ترفض العديد من أعمالك تعريفات نقطة البداية والنهاية ، لكن سراب أعطت المشاهدين مدخلاً واضحًا ، مكانًا أصبحوا فيه جزءًا من العمل. في منشآتك العامة ، في أي نقطة ترى الأشخاص ينتقلون من المارة إلى المشاهدين إلى جزء من العمل الفني نفسه؟

أعتقد أن كل هؤلاء الثلاثة قابلة للتبادل. مع سراب (2015) في ماديسون سكوير بارك ، كان يسير أكثر من خمسين ألف شخص يوميًا عبر تلك الحديقة وتحت القطعة. وبغض النظر عما إذا كانوا قد اختاروا ذلك أم لا ، فقد تم إسقاطهم على القطعة كما تم عرضهم أيضًا على مساحة مشتركة مع الركاب والمارة الآخرين. في حالة هذا المشروع بالذات ، كان هناك تأثير ديمقراطي على كيفية استخدامي للمجال العام والفضاء العام ، وهذا يعني أنه بصفتك أحد المارة كنت المشاهد وأنت أيضًا العمل الفني. لم يكن العمل الفني هو المعدن ، أو الفولاذ ، أو القواعد ، بل هو السطح الديناميكي الذي صنعه الأشخاص الذين تفاعلوا معه والضوء المتحرك. لذلك من لحظة إلى أخرى ، يمكن أن تبدو القطعة مختلفة تمامًا. كان المشروع أشبه بمقياس للفضاء وتغيير الظروف الجوية والضوء والجميع من حوله. كانت بمثابة مرآة عملاقة للموقع نفسه وللنشاط الحضري لمدينة نيويورك.

الكثيب، 2002. ألمنيوم مطلي ، خرز زجاجي ، 336 × 60 × 96 بوصة. بإذن من الفنانة ليمان موبين ونيويورك وهونج كونج.

ليزا: عملك ينسج باستمرار الثقافات والمواقع معًا ومع ذلك يبدو بطريقة ما أنه يمثلهم جميعًا. ما الأماكن التي زرتها وأذهلتك بشكل خاص ، والتي كنت تعلم أنه يجب عليك تضمين عنصر منها في عملك؟

TF: أسافر كثيرًا منذ بداية مسيرتي المهنية. لقد أمضيت وقتًا طويلاً فقط أقوم بإقامات في أماكن مختلفة ، لذا فإن اليابان بالطبع مكان مهم جدًا بالنسبة لي ، والكثير من تشكيلتي حول المناظر الطبيعية ، ولكن أيضًا عن العلاقة الحميمة ، أعتقد أنها جاءت من وقتي في اليابان. هناك بعض المناظر الطبيعية التي تهمني لأنني قضيت وقتًا هناك. بالي مكان مهم بالنسبة لي. كوبا مكان مهم لأنها من أين تأتي عائلتي. إنها تاريخًا منطقة غنية جدًا ومليئة بالروايات البشرية المعقدة.

لا يُقصد بالعمل الفني أن يكون توضيحًا لتلك الأماكن. في الحقيقة لدي إحساس عالمي جدًا بالأماكن. أحد أكثر الأشياء إثارة للاهتمام حول كونك فنانًا هو أن عملي مبني على هذه الطريقة الغريبة جدًا للربط وإقامة الروابط بين الأشياء التي لا علاقة لها عادةً ببعضها البعض. هناك نوع من الشمولية في العمل ، لذلك في نفس الشيء يمكن أن أشير إلى صورة أو فكرة أوروبية للغاية ، مع طبقات من شيء جاء من تجربة يابانية للغاية ، مع قطعة تاريخية من الأدب الأمريكي قرأتها في شيء آخر . وليس هناك تسلسل هرمي لهذه المراجع لأنني لا أوضح أيًا من هذه الأشياء ، فأنا في الواقع أرسم الروابط بينها بطرق غير تقليدية ومن خلال عدسة شخصية للغاية.

الكتابة الليلية (البطل والليندر)، 2011. لب الورق الملون والمشكل بنفث الحبر مُجمَّع بمرآة ، 49.21 × 66.14 بوصة. بإذن من الفنان ليمان موبين ، نيويورك و STPI سنغافورة.

ليزا: إذن هل ستقول إنها ليست تجربة واحدة لديك في مكان يقود عملك؟

TF: في بعض الأحيان ستكون حقيقة غريبة جدًا عن مكان ، مثل Borrowdale ، إنجلترا ، على سبيل المثال. النحت الخاص بي سحب المياه (بوروديل) (2009) هو إشارة إلى Borrowdale ، إنجلترا ، وهو المكان الذي تم فيه اكتشاف الجرافيت في القرن السادس عشر. تلك الحقيقة الوحيدة ، فكرة أن أقلام الرصاص ، وبالتالي الرسومات جاءت ، حرفياً ، من هذا المنظر الطبيعي الذي كان مجرد جرافيت صلب تحت الأرض. فكرة أن قلم الرصاص الذي ترسمه يمكن أن يأتي من منظر طبيعي ، حيث يمكنك الوقوف على هذا المنظر الطبيعي وكل شيء تحت قدميك سيكون من الجرافيت الصلب ، أصبحت طريقة أخرى بالنسبة لي للتفكير في فعل الرسم.

في بعض الأحيان ، قد يكون مجرد تفصيل غريب للغاية يجذبني إلى منظر طبيعي معين. ما يصبح مهمًا ليس الخصائص العلنية الكبيرة ، بل التفاصيل الغريبة التي تتعلق بشيء آخر ، على الأقل في ذهني. بعد فوات الأوان ، بعد أن أقوم بالعمل وأرسم تلك الروابط ، أعطيها شكلاً وحساسية. لكن قبل ذلك ، من الغامض والمعقد حقًا رسم تلك الروابط بين الأشياء والأماكن - وهذا هو الجزء المبتكر والمفاهيمي والتحدي من عمليتي.


Teresita Fernández & # 8217s الفن القوي يكشف التاريخ المستمر للعنف الاستعماري في منطقة البحر الكاريبي

يقوم بعض الفنانين بتدريب أعينهم على الأشياء الصغيرة في الحياة. Teresita Fern & aacutendez ليست واحدة منهم. وقالت إن فنها مدفوع بالرغبة في معرفة المزيد عن الحالة الإنسانية والطرق التي يستمر بها الماضي في التأثير على الحاضر. & # 8220I & # 8217m أشعر بالفضول دائمًا لنفسي فقط: أين أنا؟ ما هذا المكان؟ الكثير منا لا يعرف حتى تاريخنا ، & # 8221 قالت.

على مدار مسيرتها المهنية ، أخذت Fern & aacutendez ، التي ولدت في ميامي لأبوين كوبيين في المنفى ، على عاتقها تعلم نسب ثقافتها الخاصة ، مع التركيز على منطقة البحر الكاريبي ومفكريها مثل الشاعر والفيلسوف الكوبي Jos & eacute Mart & iacute ، الروائية الجامايكية سيلفيا وينتر ، شاعر سانت لوسيان ديريك والكوت ، والفيلسوف المولود في مارتينيكو وإيكوتيد جليسانت. & ldquoIt & rsquos مشروع بحثي مستمر للتعرف على من أنا ، & # 8221 قالت ، & # 8220 وكذلك محو السكان الأصليين الكامن حول منطقة البحر الكاريبي. & rdquo

قد لا تكون العديد من هذه المصادر واضحة بسهولة في منحوتاتها وتركيباتها ، ومع ذلك ، فإن عملها الأخير يحمل هذه التأثيرات بطرق غير مرئية إلى حد ما. خلال زيارة بعيدة اجتماعيًا لاستوديوها في بروكلين في نوفمبر قبل معرضها الفردي الجديد في نيويورك ، في معرض Lehmann Maupin ، تذكرت Fern & aacutendez الوقت الذي قضته في أوروبا كجزء من برنامج الدراسة الجامعية بالخارج وزيارة المتاحف هناك. أدركت أن كل الثروة التي تم عرضها في المتاحف والكاتدرائيات يمكن إرجاعها إلى استغلال منطقة البحر الكاريبي وعمل العبيد.

& ldquo لقد أصبحت مهتمًا حقًا بكيفية إنهاء الاستعمار بالطريقة التي نفكر بها في هذه المنطقة ، والتي تعتبر هذا المحيط بالنسبة لمعظم العالم ، هذا الشيء الصغير على حافة شيء ما يرتبط غالبًا بشكل مبتذل بالترفيه أو المنتجعات ، & rdquo قالت. & ldquoIt & rsquos هذه الجنة حيث لا يجعل الناس الحقيقيون الصورة بطريقة ما & rsquore & mdashthey ​​& rsquore غير مرئية. & rdquo

بالنسبة لبرنامجها Lehmann Maupin ، الذي يحمل عنوان & ldquoMaelstrom & rdquo ، والذي سيتم عرضه حتى 23 يناير ، أنشأت Fern & aacutendez العديد من الأعمال الجديدة التي تبحث في تاريخ الاستعمار في منطقة البحر الكاريبي ، ولا سيما في بورتوريكو. (إلى جانب ذلك ، لديها أيضًا عرض & # 8220 مقال بصري & # 8221 مصغر لوضع الأعمال في سياقها وتقديم قراءات إضافية ، والتي وصفتها بالعرض & # 8217s & # 8220 البنية الاجتماعية الأساسية. & # 8221) & ldquo غالبًا ما نكون في هذا الشرط أسلوب الحديث عن الاستعمار تاريخيًا وكأنه شيء حدث منذ زمن بعيد. لكن بورتوريكو هي تجربة الاستعمار التي لم تنته أبدًا ، وقال rdquo فيرن وأكوتينديز ، واصفا إياها بأنها أقدم مستعمرة في العالم و rsquos.

يخبر تاريخ بورتوريكو و rsquos الاستعماري المستمر أحد المسلسل & # 8217s ، & ldquoHurak & aacuten ، & rdquo الذي يتألف من 20 صورة مجمعة من الوسائط المختلطة المجردة مقاس 6 × 8 بوصات أنشأتها Fern & aacutendez في وقت سابق من هذا العام ، وحدها في الاستوديو الخاص بها أثناء الإغلاق الأولي للوباء و rsquos ، عملية وصفتها بأنها & ldquocathartic. & rdquo أخذت السلسلة اسمها من اسم Ta & iacuteno people & rsquos لإله العواصف ، والذي تبناه المستعمرون الإسبان (ولاحقًا إلى اللغة الإنجليزية) لتسمية الأعاصير ، المنطقة والأعاصير المدارية rsquos. (& ldquo المكان الوحيد في العالم حيث يطلق على الأعاصير اسم الأعاصير هو منطقة البحر الكاريبي ، وأضاف rdquo Fern & aacutendez.)

تمت تسمية كل عمل في السلسلة على اسم إعصار تاريخي و mdashMaria و Katrina و Paloma وحتى Teresita. والجدير بالذكر أن الأسماء هي أنثى ، وقد ربط Fern & aacutendez هذا بالممارسة التاريخية والمستمرة للتعقيم القسري للنساء الملونات في الأمريكتين ، والتي حدثت في بورتوريكو منذ الثلاثينيات. بين عامي 1930 و 1970 ، أُجبرت 35 في المائة من نساء بورتوريكو على التعقيم. كما طُلب من بعض هؤلاء النساء المشاركة ، غالبًا عن غير قصد ، في التجارب السريرية التي أدت إلى تطوير حبوب منع الحمل. & ldquoThose عقار كان [فدا] - يوافق لأنّ هم اختبرت على [بورتوريكو] نساء ، & [ردقوو] هي قالت.

فيرن وأكوتينديز ، الحائزة على زمالة MacArthur & # 8220genius & # 8221 في عام 2005 ، على دراية وثيقة بهذا التاريخ من التجارب الطبية لأن والدتها اختبرت ذلك. عندما كانت والدتها تبلغ من العمر 24 عامًا ، أُجبرت على إجراء عملية استئصال الرحم في الولايات المتحدة. & ldquo كان يشار إليه دائمًا باسم لا أوبراسي وأوكوتين، & rdquo فيرن & aacutendez قال ، مضيفًا ، & # 8220 أشياء حدثت لهم لم يعرفوا عنها & # 8217t حتى. & rdquo

لكن ، قالت F & eacuternandez ، إن هذه ليست فقط حكايات مروعة من الماضي و mdashthe هي أيضًا & ldquoprights واقعية كذلك ، & rdquo كما يتضح من الكشف الأخير للمخبرين عن التعقيم القسري في مراكز الاحتجاز ICE ، بشكل أساسي على نساء الكاريبي. كان المسلسل وسيلة لأخذ كل هذه الأحداث العنيفة وتكرارها وتكديسها ورجها حول هذا العنف والإساءة وتجريد بعض أجساد النساء والرسكووس من إنسانيتها. قال ردقوو فيرن وأكوتينديز إن هذا جزء كبير من تاريخ منطقة البحر الكاريبي.

& ldquo أن الأمر الذي ظهر مؤخرًا في معتقلات إدارة الهجرة والجمارك ليس بالأمر الجديد ، & # 8221 تابعت. & # 8220It & rsquos قديمة قدم الاستعمار. لم يختفِ It & rsquos أبدًا. & rdquo معًا ، قال Fern & aacutendez إن المعرض أصبح & # 8220a صورة للعنف من نواحٍ عديدة. & # 8221

صورة عاصفة استوائية يظهر في عمل آخر في المعرض ، كوزموس الكاريبي (2020) ، لوحة بطول 16 قدمًا مصنوعة من آلاف من قطع السيراميك المزجج التي تشكل معًا صورة تم إنشاؤها لدوامات مختلفة تحاكي الخرائط الجوية التي تظهر الأعاصير تتشكل فوق منطقة البحر الكاريبي. العمل في آن واحد جميل وآسر ومداشا تجتاح تصوير الدمار المدمر.

قال فيرن وأكوتينديز إن تلك الحركة التي تراها تبدو مثل هذا النوع من الإعصار الملتف. & ldquo إذا قمت بتقليصه إلى المستوى المجهري ، فسيبدو مثل كل ما يحدث في جسمك ، وإذا فجرته ليكون واسع النطاق مثل الكون ، فسيبدو مثل درب التبانة. & rdquo

بالنسبة لسلسلة أخرى ، بعنوان & ldquoBlack Beach (الماس غير المصقول) ، & # 8221 أنشأ Fern & aacutendez مجموعة من ثلاثة أعمال كبيرة الحجم تتميز كل منها بمئات القطع من الفحم الكامل ، والخشب المحروق من براميل الويسكي ، وصخور الحمم البركانية (جنبًا إلى جنب مع المواد الأخرى) ) التي يتم تثبيتها بشق الأنفس على لوحة من الألومنيوم المصقول.

لأن هذه المواد لها هويتها الخاصة ، فهي & # 8220 ليست محايدة ، & # 8221 فيرن & aacutendez قال. & # 8220It & rsquos لا تحب الذهاب إلى متجر الدهانات ، وشراء مجموعة من الطلاء ، ثم رسم صورة لمنظر طبيعي محترق. أنا في الواقع أقوم بعمل صورة لمنظر طبيعي محترق بقطع من منظر طبيعي محترق حقيقي ، والذي له بالفعل تاريخه الخاص. إنها & # 8217s تقريبًا مثل المواد المسكونة. & rdquo

بالنسبة للفنانة ، فإن المناظر الطبيعية التي أنشأتها تحتوي على العناصر ذاتها التي من المفترض أن تصورها ، وبالتالي فهي مرتبطة ارتباطًا وثيقًا بأولئك الذين يسكنون تلك الأرض. & ldquoIt & # 8217s حقا عن تاريخ الناس ، & rdquo قالت. ما يتم تمثيله ليس مجرد طبيعة ، بل شيء أكثر من عمل فني مدشان موجود كـ & # 8220 تاريخ البشر ، وتاريخ القوة ، وتاريخ الملكية ، وتاريخ الغزو. ما نفكر فيه على أنه منظر طبيعي ، عادةً ما يكون شيئًا سلبيًا موجودًا للتو ، هو في الواقع إلى حد كبير بناء تم إنشاؤه حول مفاهيم القوة والرؤية.


كيف حولت الفنانة تيريسيتا فرنانديز الجرافيت ، أشياء من ستاردست ، إلى ذكريات

من مسافة بعيدة ، منحوتة الفنانة المعاصرة تيريسيتا فيرن & # 225ndez & # 8217s ليلي (خط الأفق) يبدو أنه مستطيل بسيط وحديث باللون الرمادي الفضي. في كلمات الفنان & # 8217s ، & # 8220 عند الاقتراب مباشرة ، لا ترى شيئًا ، مجرد مستطيل رمادي غامق بسيط. ولكن عندما تبدأ في التحرك ، تصبح القطع متحركة. . . . يبدو الأمر كما لو أن الصورة تتطور أمام عينيك. & # 8221

تظهر تدرجات اللون والملمس ، وتشكل ثلاثة أشرطة أفقية مميزة. الأول ، أملس ومنبسط ، يستحضر السماء. الثانية ، لامعة ومصقولة ، إيماءة إلى الماء. الثالث ، مكتنزة وعضوية ، يمثل الأرض.

أصبحت الاختلافات في الاتساق ممكنة بفضل استخدام Fern & # 225ndez & # 8217s للجرافيت ، وهو معدن تشكل على مدى آلاف السنين تحت سطح الأرض & # 8217s. حلقة جديدة من & # 8220Re: Frame ، & # 8221 سلسلة فيديو على الويب أنتجها متحف سميثسونيان للفنون الأمريكية ، تبحث في الدور الجذاب الذي لعبه الجرافيت في تاريخ الفن & # 8212and في Fern & # 225ndez & # 8217s عمل.

& # 8220Teresita Fern & # 225ndez باحثة في نواح كثيرة وهي أيضًا فنانة مفاهيمية ، & # 8221 تقول إي كارمن راموس ، أمينة الفن اللاتيني ونائب رئيس المتحف.

ولدت فيرن & # 225ndez في ميامي عام 1968 ، وحصلت على درجة البكالوريوس من جامعة فلوريدا الدولية ودرجة الماجستير من جامعة فيرجينيا كومنولث. في عام 2005 ، حصلت على منحة MacArthur & # 8220Genius & # 8221 ، وفي عام 2012 ، عينها الرئيس أوباما في لجنة الولايات المتحدة للفنون الجميلة. يمكن العثور على منحوتاتها ومنشآتها في المتاحف في جميع أنحاء العالم ، بما في ذلك متحف سميثسونيان للفنون الأمريكية.

يركز عمل Fern & # 225ndez & # 8217s على العالم الطبيعي ، الذي تستكشفه باستخدام طرق ومواد غير تقليدية. & # 8220 يقول راموس إنها خلقت صورًا لتشكيلات السحب والانفجارات البركانية والمسطحات المائية. & # 8220 في كثير من الحالات ، تستخدم مجموعة متنوعة من المواد لخلق هذه الأوهام التي تصبح تجارب للمشاهد. & # 8221 للإبداع ليلي (خط الأفق) ، حقق الفنان في الخصائص المادية لمادة غير متوقعة: الجرافيت.

كان تطوير المناظر الطبيعية كتركيز فني ، وارتباطه بالجرافيت المادي ، بمثابة مصدر إلهام ليلي (خط الأفق) بواسطة Teresita Fern & # 225ndez. (SAAM، & # 169 2010، Teresita Fern & # 225ndez، 2012.38A-C)

& # 8220 الجرافيت هو معدن طبيعي. إنه يحدث في جميع أنحاء كوكب الأرض ، وفي الفضاء ، ويتكون فقط من عنصر الكربون ، & # 8221 تقول ليز كوتريل ، المنسقة المسؤولة عن الصخور والخامات في متحف سميثسونيان الوطني للتاريخ الطبيعي في واشنطن العاصمة.

& # 8220 يتكون البشر والحيوانات والنباتات من الكربون. نحن ، البشر ، أشكال حياة يهيمن عليها الكربون ، وعندما نموت ، تتحلل أجسامنا وأنسجتنا ، وتحت الحرارة والضغط في الأرض ، يتحول الكربون العضوي إلى جرافيت ، & # 8221 يقول كوتريل.

على الرغم من أنه غالبًا ما يتم الخلط بينه وبين الرصاص ، إلا أن مادة العمود الفقري في نهاية أقلام الرصاص لدينا هي في الواقع من الجرافيت. وفقًا لـ Cottrell ، & # 8220graphite فائق النعومة ، وذلك لأن ذرات الكربون مرتبة في السهول ، في صفائح ، وتلك الصفائح تنفصل ببساطة عند فركها. & # 8221

كان الجرافيت مادة شائعة في صناعة الفن منذ القرن السادس عشر. كان المفضل لدى سيد عصر النهضة ليونارد دا فينشي ، الذي استخدم الجرافيت لإنشاء بعض أقدم & # 8220landscapes & # 8221 في تاريخ الفن الغربي.

قبل وقت دافنشي & # 8217 ، اعتبر الفنانون الطبيعة كخلفية و # 8212 ليس موضوعًا و # 8212 للعمل الفني. كان دافنشي من بين أول من ابتكر رسومات طليعة بالطبيعة ، احتفاءً بالمناظر الطبيعية بدلاً من الحضارة الإنسانية. & # 8220 هناك هذا الارتباط العميق مع الجرافيت ، والذي يرتبط بأقلام الرصاص وتصوير المناظر الطبيعية ، & # 8221 يقول راموس.

& # 8220 واحدة من أكثر مناطق الجرافيت شعبية تاريخيا في إنجلترا. . . حيث تم تطوير أقلام الرصاص لأول مرة ، & # 8221 يقول كوتريل. اشتهرت مدينة بوروديل في منطقة كمبريا بشكل خاص بين فناني عصر النهضة لما تتمتع به من رواسب عالية الجودة. حتى قبل أن يبدأ دافنشي الرسم باستخدام الجرافيت الكمبري ، استخدمه الرعاة الإنجليز لتحديد قطعانهم من خلال تمييز صوف أغنامهم.

كان تطوير المناظر الطبيعية كتركيز فني ، وارتباطه بالجرافيت المادي ، بمثابة مصدر إلهام ليلي (خط الأفق). كفنانة تتمحور أعمالها حول العالم الطبيعي ، انجذبت فرنانديز إلى الموقع المادي & # 8212 والمواد & # 8212 التي ألهمت النوع الذي تواصل استكشافه.

تركز Teresita Fern & # 225ndez على العالم الطبيعي ، الذي تستكشفه باستخدام طرق ومواد غير تقليدية. (نوبورو موريكاوا ، ويكيميديا ​​كومنز)

بينما رسم دافنشي بقلم رصاص من الجرافيت ، ينحت Fern & # 225ndez باستخدام الجرافيت نفسه. & # 8220 لقد كانت مفتونة حقًا بفكرة إنشاء صورة تتكامل مادتها بشكل وثيق وكامل مع الصورة التي تقوم بإنشائها ، & # 8221 يقول راموس.

لكن فيرن & # 225ndez لا يصور بوروديل في ليلي (خط الأفق)& # 8212 أو أي منظر طبيعي محدد.

& # 8220 عندما تفكر في المناظر الطبيعية التاريخية من القرن التاسع عشر لتوماس موران وكنيسة فريدريك ، فإنها تمثل أماكن محددة جدًا ، أليس كذلك؟ سواء أكان ذلك هو فجوة كولورادو أو الشفق القطبي ، & # 8221 يقول راموس. & # 8220 عندما تنظر إلى هذا العمل ، يكون له نوع من الإحساس العام. & # 8221

& # 8220Teresita Fern & # 225ndez ليست مهتمة بتصوير مكان معين ، ولكنها مهتمة حقًا بإثارة ارتباطاتنا الشخصية ، وهي جمعية شخصية للزوار # 8217 ، مع مكان من اختيارهم ، & # 8221 Ramos يقول.

تعود جذورها إلى قرون من تاريخ الفن وآلاف السنين من العمليات الجيولوجية ، Teresita Fern & # 225ndez & # 8217s نحت ليلي (خط الأفق) هو في النهاية حول التجربة الشخصية & # 8212it & # 8217s أشياء ستاردست التي تستحضر الذكريات. يربط استخدامها للجرافيت النحت بالأرض ، لكن افتقاره إلى الخصوصية يسمح للمشاهدين بإبراز البيئة الخاصة بهم ، سواء كانت متخيلة أو متذكّرة ، على سطحها المتلألئ.

& # 8220 عندما ألقي نظرة عليها ، أفكر في الوقت الذي كنت أعيش فيه في شيكاغو وكل مناحي مشياً على بحيرة ميشيغان. لديها تلك التجربة بالنسبة لي. على الرغم من أنها لا تصور بحيرة ميشيغان ، إلا أنها تثير تلك الذاكرة في تاريخي الشخصي ، & # 8221 يقول راموس.

Teresita Fern & # 225ndez '2010 ليلي (خط الأفق) معروض في الطابق الثالث ، الجناح الشرقي لمتحف سميثسونيان للفنون الأمريكية في واشنطن العاصمة.

عن ميليسا هندريكسون

ميليسا هندريكسون هي مقدمة ومشاركة في إنشاء سلسلة الويب Re: Frame من متحف سميثسونيان الأمريكي للفنون ، حيث تعمل أيضًا متخصصة في الترجمة الفورية وأبحاث الجمهور.


دليل المعرض

تيريسيتا فرنانديز: عنصري هو أول معرض استعادي في منتصف الحياة المهنية للفنانة الأمريكية المشهورة عالميًا تيريسيتا فرنانديز (مواليد 1968 ، تعيش ميامي في نيويورك). فرنانديز فنانة مفاهيمية اشتهرت بتركيباتها ومنحوتاتها الغامرة ولجانها الفنية العامة الضخمة. يتجذر عملها القائم على المفاهيم في تحدي التعاريف التقليدية للمناظر الطبيعية من خلال تفكيك الأنواع التقليدية لرسم المناظر الطبيعية وفن الأرض للكشف عن روايات أكثر إلحاحًا. تولي فرنانديز أهمية خاصة لاختيارها النقدي للمواد ، مثل الذهب والجرافيت والفحم والمعادن الأخرى التي لها تاريخ معقد غالبًا ما يرتبط بالاستعمار والأرض والسلطة.

© 2019 متحف بيريز للفنون بميامي

"المناظر الطبيعية غالبًا ما تتعلق بما لا تراه أكثر مما تدور حول ما تراه.

أبدأ بطرح هذا السؤال البسيط على نفسي: أين أنا؟ تاريخيًا واقتصاديًا واجتماعيًا وعرقيًا وجغرافيًا وبصريًا وعاطفيًا وجسديًا؟

تيريسيتا فرنانديز
المقدمة

تيريسيتا فرنانديز: عنصري تم تنظيمه كسلسلة من التركيبات التجريبية التي تتميز بأعمال متنوعة تم إجراؤها على مدار العشرين عامًا الماضية. تدعو هذه البيئات المشاهدين إلى التفاعل مع سلسلة من "المناظر الطبيعية" في محاولة لدفع التأمل في الهوية والسرد الشخصي من خلال الانهيار الهادئ للرؤية والمادية والتاريخ الاجتماعي والسياسي المتشابك. جنبا إلى جنب مع النحت الجديد جوقة (2020) ، يعرض المعرض معًا ولأول مرة بعضًا من أهم الأعمال النحتية لفرنانديز وعرضًا لرسوماتها التي نادرًا ما تُشاهد ، والتي تقدم رؤية حميمة لممارستها الفنية. سلسلة أحدث ، مثل النار (الولايات المتحدة للأمريكتين) (2017-19) و فيناليس (2015–19) ، معالجة التعقيدات السياسية والاجتماعية للمناظر الطبيعية.

ككل، عنصري يطلب من المشاهدين مواجهة المفاهيم الراسخة حول من هم من خلال فهم أعمق لمكان وجودهم ، مع تقديم أعمال فنية غنية ومبهرة بصريًا تشير إلى الكون والظواهر الجوفية والطبيعية والجمال الملموس للعالم الطبيعي.

ومع ذلك ، فإن استخدام الفنان مؤخرًا لصور النار يقترح سردًا أكثر إلحاحًا وتهديدًا. النار (أمريكا) (2016–19) يتألف من عدة أعمال تتساءل عن كيفية تأطير العنف الأمريكي وفقًا لمن يروي القصة. وهي أيضًا إشارة إلى اهتمام فرنانديز بكيفية تشكيل السكان الأصليين للأرض وزراعتها من خلال تقنيات القطع والحرق لتعزيز استدامتها ، وكشف أسطورة الحياة البرية الأمريكية النقية قبل الاتصال الأوروبي.

رصيد الصورة

إطلاق النار، 2005. حرير ، خيوط ، حديد التسليح ، إيبوكسي. Collection SFMOMA Accessions Committee Fund purchase. Created in collaboration with The Fabric Workshop and Museum, Philadelphia.

In works such as Fire (America) 5 (2017) and Fire (America) 6 (2019), Fernández creates night scenes made of rich, color-saturated, glazed ceramic tesserae depicting landscapes engulfed in flames. These works provide visual representations of the erased, warped, and invisible histories that are deliberately omitted from our perception of what we define as the American landscape.

Surrounding the viewer is Charred Landscape (America) (2019), a horizon line of raw, sculptural, charcoal “land masses” made from burned wood that transforms into diffused gestural charcoal drawings created directly on the walls. The dramatic images have an almost cinematic effect, suggesting a panoramic landscape scene dissolving into smoke.

The largest wall work on view in this series is Fire (United States of the Americas) 3 (2017–19). Made from solid charcoal elements arranged in the shape of the continental United States, the piece emerges from a wall of gestural, smoky, hand-drawn marks depicting a country burning, falling, and slipping away. About the work, Fernández states:

The piece reinserts the shape of Mexico into the map, newly configured and reimagined as so immense that its redemptive, ghostlike presence starts to dissolve into the cosmos, looming large over the United States. The charred image prompts viewers to contemplate and question the social history of the United States of America—only here are we in the habit of using the term “America” in its singular form. Throughout the rest of the Western Hemisphere, the term is customarily used in its plural form, “the Americas.”

IMAGE CREDIT

Fire (United States of the Americas) 3, 2017–19. Charcoal. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Beth Devillier.

GRAPHITE

The idea that the pencil that you are drawing with could come from a physical landscape, where you could stand on that landscape and everything underneath your feet would be solid graphite, became another way for me to think about the act of drawing and Land art. Drawn Waters (Borrowdale) is like making a sculpture that’s really a drawing, a kind of dimensional, physical smudge. So that the act of drawing, the object of drawing, and the physical landscape become one and the same. To assemble the parts of a sculpture like Drawn Waters (Borrowdale) becomes precisely to engage in making a drawing.

بصورة مماثلة، Sfumato (2019) is an immersive, site-specific installation that sweeps across the walls of the gallery like an organic, dissolving swarm. It is made of thousands of small rocks of raw, mined graphite—each with a feathery drawn mark that emanates from it like a cosmic trail. Sfumato’s scale shifts from intimate to vast, from miniature to panoramic so the work appears like a spreading constellation from a distance. Up close, the individual graphite elements each become their own tiny, solid landscape.

Fernández’s use of graphite, a mined, subterranean material, can also be seen in her Nocturnal series (2009–17), where dark-relief, graphite panels allude to mysterious night scenes and explore the material’s sculptural qualities beyond its common association to traditional modes of drawing. The panels suggest monochromatic, minimalist paintings, but the dimensional, carved, polished, and layered graphite slowly transforms to reveal a reflected surface of lustrous relief landscape paintings.

IMAGE CREDIT

Drawn Waters (Borrowdale), 2009. Natural and machined graphite on steel armature. Sfumato, 2009. Graphite and magnets, dimensions variable. Installation view: Lehmann Maupin, New York, 2009. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

SUBTERRANEAN

Fernández draws from her personal experience in the elaborate cave system of the Viñales Valley. Used since prehistoric times, the caves were once occupied by Taino indigenous people before colonization and were later used as a place of refuge for Maroons, or runaway slaves, who fled from surrounding plantations to freedom and formed small communes by hiding in the caves by day. As viewers engage with the immersive sculpture, the suggested landscape expands and contracts, prompting them to visually construct the image and become the size of what they are looking at.

Here, Fernández uses malachite rocks brought from the Democratic Republic of the Congo for their visual similarities to the lush, vibrant, and green Viñales Valley. This choice of material asserts what Fernández refers to as “stacked landscapes.” The malachite comes from a real landscape in the Congo and is used to create another imagined landscape, in the process highlighting the historical, cultural, and conflicted colonial relationship between Africa and Cuba. The idea is that when viewers unravel the landscape, they are always in more than one place simultaneously. Surrounding glazed ceramic panels reveal mineral-like, subterranean views that further reinforce the idea of the caves as protective, womb-like interiors.

IMAGE CREDIT

Viñales (Reclining Nude), 2015. Wakkusu concrete. bronze, and malachite. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

NIGHT WRITING

The title of the series is a reference to “Écriture Nocturne,” a code devised in the early 19th century to enable Napoleon Bonaparte’s soldiers to communicate at night, silently and without light. The code was also an early precursor to braille.

Each sumptuous, paper-pulp image of the night sky in the series is covered with words that have been translated into braille patterns, which become an abstracted field of perforated constellation points superimposed onto a mirror backing. Each dot appears to flicker, catching reflections of viewers moving in front of the works.

Artworks such as Night Writing (Tristan and Isolde) (2011) and Night Writing (Hero and Leander) (2011) contain cryptic words lost in an undecipherable code of dots. The works become a statement on the ephemeral quality of abstracted language as viewers attempt to grasp the content hidden within the invisible text. Fernández’s works often explore this subtle space between blindness, vision, and the tactile.

IMAGE CREDIT

Night Writing (Hero and Leander), 2011. Colored and shaped pulp paper with inkjet assembled with mirror. Made in collaboration with Singapore Tyler Print Institute. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

I’m very interested in the idea of gold as a cultural phenomena in ancient traditions of mining that originated in Africa, China, and Mesoamerica well before the more familiar European traditions ever evolved. Gold is present all over the world and has, across every time period and culture, been synonymous with the sun, with light, with radiance—subterranean metals connected to their heavenly counterparts. But my use of gold is also a very deliberate reference to colonization. The history of gold as a material is also, always, the history of landscape in the Americas, of land, conquest, power and, by default, of the erasure and decimation of indigenous peoples for European greed.

IMAGE CREDIT

Nishijin Sky, 2014. Silk, polyester, paper, nylon, brass, and aluminum. Made in collaboration with HOSOO, Kyoto, Japan. Courtesy the artist. and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Noboru Morikawa.

BORROWED LANDSCAPE

The installation Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue) (1998) is made of sculptural volumes of colored light, sheer fabric, and wood that hover in a dark room and exist somewhere between architecture, sculpture, and painting. Each “room” has a floor covered with thousands of miniature, hand-drawn shapes taken from 17th-century garden hedge patterns. Together, they read simultaneously as rugs and aerial landscape views, toggling between scales to create something akin to an indoor landscape or an outdoor room. Much like in a real garden, viewers trace the space by walking through the mazelike, geometric volumes that contract and expand into shifting vistas.

IMAGE CREDIT

Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue), 1998. Wood, fabric, oculus light, graphite, and paint. Originally commissioned at Artpace, San Antonio, Texas. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.


Related story

A domed ceiling of white plaster tops the space, which will be used for large-scale installations and &ndash after the coronavirus pandemic &ndash large gatherings.

Art by Teresita Fernández occupies one wall of the Williams Forum

Displayed on the east wall of the Williams Forum is a map of America made from pieces of charcoal by American artist Teresita Fernández.

Called Fire (United States of the Americas), it "points to the cycles of destruction and regeneration on which the history of this country is built", according to the museum.

Tiles have been restored and pipes laid below the Vaulted Walkway

The Vaulted Walkway, a 640-foot-long (195 metres) corridor running the breadth of the exterior of the Philadelphia Museum of Art, has been reopened again after 50 years.

The Guastavino tiles in the vaults between the collonades have been restored, and new steam pipes, water lines, electric and internet cables have been installed below the paving to improve the museum's infrastructure.

The South Hall has been turned into a sculpture room

A room at one end of the Vaulted Walkway, called the South Hall, has been refurbished and turned into a sculpture display area.

Gehry is a much-lauded architect and the recipient of the Pritzker Architecture Prize, Japan's Praemium Imperiale, and America's Presidential Medal of Freedom amongst other accolades.

Notable museum projects from his practice include the upcoming Luma Arles arts tower in southern France, which is slated to open in June, and the Guggenheim Museum in Bilbao.


Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a conceptual artist best known for her monumental, public projects that expand on notions of landscape and place. Her work, often inspired by natural phenomena—meteor showers, fire, and the night sky—invites experiential engagement with the work and the space it occupies. Fernández places particular importance on her choice of materials such as gold, graphite, and other minerals that have loaded histories, often tied to colonialism, history, land, and power. Her work is characterized by a quiet unraveling of place, visibility, and erasure that prompts an intimate experience for individual viewers. In 2015, Fernández installed her largest public art project to date, Fata Morgana, in New York’s Madison Square Park. The work was composed of overhead, mirrored canopies above all of the park’s walkways, and its title refers to mirages that hover right above the horizon.

Fernández is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, a 2003 Guggenheim Fellowship, and a Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the US Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics. Her upcoming mid-career museum retrospective, Teresita Fernández: Elemental, is currently on view at the Pérez Art Museum Miami. Surveying over 20 years of work, the exhibition will travel to the Phoenix Art Museum followed by the New Orleans Museum of Art. Fernández’s public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández’s recent site-specific commissions include Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (…Nothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006).

In 2001, Fernández worked with the Public Art Fund to realize Bamboo Cinema, a large-scale, maze-like installation made of colored, translucent polycarbonate tubes in Madison Square Park, New York City.

Cecilia Vicuña (b. 1948 in Santiago, Chile is a poet, artist and activist. She lives and works in New York and Santiago) integrates practices of performance, Conceptualism, and textile in response to pressing concerns of the modern world, including ecological destruction, human rights, and cultural homogenization. Born and raised in Santiago, she was exiled during the early 1970s after the violent military coup against President Salvador Allende. This sense of impermanence, and a desire to preserve and pay tribute to the indigenous history and culture of Chile, have characterized her work throughout her career.


Teresita Fernández

“ ..Best known for her unique installations and immersive public projects, Fernández explores ideas of the figure in the landscape, the natural world, the extremes of scale, as well as the act of looking.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, New York (West 22nd St)

“ ..She is an artist best known for her conceptual, experiential works, prominent public sculptures, and unconventional use of materials.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, Chrystie Street

“ ..Fernández's work is characterized by an interest in perception and the psychology of looking.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, Chrystie Street

“ ..Fernández here seeks to revise our notion of what is the “American Landscape” and who gets to define it.. ”

Click for full text

Teresita Fernández is an American Postwar & Contemporary artist who was born in 1968. Her work was featured in numerous exhibitions at key galleries and museums, including the SFMOMA, San Francisco Museum of Modern Art and the Museum of Fine Arts, Boston. Teresita Fernández's work has been offered at auction multiple times, with realized prices ranging from $195 USD to $132,000 USD, depending on the size and medium of the artwork. Since 2006 the record price for this artist at auction is $132,000 USD for Burnout, sold at Sotheby's New York in 2006. Teresita Fernández has been featured in articles for the ArtLyst, the ARTnews and the ARTnews. The most recent article is Teresita Fernández Depicts Caribbean Colonialism and Eco-Trauma written by Louis Bury for the Hyperallergic in January 2021.


In Focus: Teresita Fernández

Lehmann Maupin is pleased to announce In Focus: Teresita Fernández. This special installation debuts the artist&rsquos most recent series, Dark Earth, begun in 2019. The presentation will feature four panels made of solid charcoal on chromed metal that delve deeper into the artist&rsquos interest in the buried, layered, and often violent histories of landscape and place. In Focus presentations are a recent addition to the Lehmann Maupin program that create a space for the gallery to highlight a critical aspect of an artist&rsquos practice. These installations offer unique public access to recent, timely, or significant works by the gallery&rsquos artists. There will be an artist-led walk through on November 23, at 11am. Capacity is limited reserve a space at [email protected]

Merging the conceptual and the material within her Dark Earth series, Fernández sculpts raw charcoal into sumptuously textured, abstracted images that challenge conventional notions of landscape art traditions. These panoramic landscape scenes expand and contract to suggest ancient mountain ranges, bodies of flowing water, subterranean minerals, radiant skies, and the immensity of the cosmos. Fernández&rsquos sense of the landscape suggests not only the physicality of the land, but also the history of human beings who have carefully cultivated it, or abused it, and the subsequent erasure that continues to shape our present-day perceptions of the people and places around us. Elaborating on ideas of the traditional &ldquofigure in the landscape,&rdquo Fernández uses the reflective quality of the golden metal to prompt viewers to consider their own role in this system, as their gaze is returned and distorted within this constructed landscape, and to re-examine their place in the eroded physical and psychological spaces produced by centuries of dominant colonialism. Imbuing the landscape with an anthropomorphic sensibility, Fernández has stated, &ldquoyou look at the landscape, but the landscape also looks back at you.&rdquo Each panel presents a spectral scene that echoes the ancient and the vast, while also referring to the cultural histories of its material makeup&mdashgold, conquest, violence, agriculture&mdashand the fluctuation of power that surrounds natural resources.

Exhibited concurrently with the artist&rsquos retrospective, Teresita Fernández: Elemental, on view at the Pérez Art Museum Miami through February 9, 2020, these new works represent a direct through line of her career-spanning consideration of landscape as it is tied to human history and the emerging narratives that shape our understanding of it.

About the artist
Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, the 2003 Guggenheim Fellowship, and the Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the U.S. Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics.

Recent site-specific commissions include Night Writing, Park Tower at Transbay, San Francisco, CA (2019) Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (&hellipNothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Fata Morgana, Madison Square Park, New York, NY (2015) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006). Fernández&rsquos public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández received a BFA from Florida International University, Miami, in 1990 and an MFA from Virginia Commonwealth University, Richmond, in 1992. Solo exhibitions of her work have been organized at the Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ (forthcoming 2020) Pérez Art Museum Miami, Miami, FL (2019) Harvard University, Boston, MA (2018) Olana State Historic Site, Hudson, NY (2017) Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2014) Modern Art Museum of Fort Worth, TX (2011) Museum of Contemporary Art Cleveland, OH (2011) University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL (2009) Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spain (2005) and Castello di Rivoli, Turin, Italy (2001).

Fernández&rsquos work is featured in numerous international public and private collections, including Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY Bloomberg Family Foundation, New York, NY Coleccion Patricia Phelps de Cisernos, New York, NY Institute of Contemporary Art, Miami, FL Israel Museum, Tel Aviv, Israel Fondation Louis Vuitton, Paris, France Museum of Fine Arts, Boston, MA The Museum of Modern Art, New York, NY Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Pérez Art Museum, Miami, FL Sammlung Goetz, Munich, Germany San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA Walker Art Center, Minneapolis, MN and the Whitney Museum of American Art, New York, NY.


In Focus: Teresita Fernández

Lehmann Maupin is pleased to announce In Focus: Teresita Fernández. This special installation debuts the artist&rsquos most recent series, Dark Earth, begun in 2019. The presentation will feature four panels made of solid charcoal on chromed metal that delve deeper into the artist&rsquos interest in the buried, layered, and often violent histories of landscape and place. In Focus presentations are a recent addition to the Lehmann Maupin program that create a space for the gallery to highlight a critical aspect of an artist&rsquos practice. These installations offer unique public access to recent, timely, or significant works by the gallery&rsquos artists. There will be an artist-led walk through on November 23, at 11am. Capacity is limited reserve a space at [email protected]

Merging the conceptual and the material within her Dark Earth series, Fernández sculpts raw charcoal into sumptuously textured, abstracted images that challenge conventional notions of landscape art traditions. These panoramic landscape scenes expand and contract to suggest ancient mountain ranges, bodies of flowing water, subterranean minerals, radiant skies, and the immensity of the cosmos. Fernández&rsquos sense of the landscape suggests not only the physicality of the land, but also the history of human beings who have carefully cultivated it, or abused it, and the subsequent erasure that continues to shape our present-day perceptions of the people and places around us. Elaborating on ideas of the traditional &ldquofigure in the landscape,&rdquo Fernández uses the reflective quality of the golden metal to prompt viewers to consider their own role in this system, as their gaze is returned and distorted within this constructed landscape, and to re-examine their place in the eroded physical and psychological spaces produced by centuries of dominant colonialism. Imbuing the landscape with an anthropomorphic sensibility, Fernández has stated, &ldquoyou look at the landscape, but the landscape also looks back at you.&rdquo Each panel presents a spectral scene that echoes the ancient and the vast, while also referring to the cultural histories of its material makeup&mdashgold, conquest, violence, agriculture&mdashand the fluctuation of power that surrounds natural resources.

Exhibited concurrently with the artist&rsquos retrospective, Teresita Fernández: Elemental, on view at the Pérez Art Museum Miami through February 9, 2020, these new works represent a direct through line of her career-spanning consideration of landscape as it is tied to human history and the emerging narratives that shape our understanding of it.

About the artist
Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, the 2003 Guggenheim Fellowship, and the Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the U.S. Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics.

Recent site-specific commissions include Night Writing, Park Tower at Transbay, San Francisco, CA (2019) Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (&hellipNothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Fata Morgana, Madison Square Park, New York, NY (2015) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006). Fernández&rsquos public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández received a BFA from Florida International University, Miami, in 1990 and an MFA from Virginia Commonwealth University, Richmond, in 1992. Solo exhibitions of her work have been organized at the Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ (forthcoming 2020) Pérez Art Museum Miami, Miami, FL (2019) Harvard University, Boston, MA (2018) Olana State Historic Site, Hudson, NY (2017) Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2014) Modern Art Museum of Fort Worth, TX (2011) Museum of Contemporary Art Cleveland, OH (2011) University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL (2009) Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spain (2005) and Castello di Rivoli, Turin, Italy (2001).

Fernández&rsquos work is featured in numerous international public and private collections, including Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY Bloomberg Family Foundation, New York, NY Coleccion Patricia Phelps de Cisernos, New York, NY Institute of Contemporary Art, Miami, FL Israel Museum, Tel Aviv, Israel Fondation Louis Vuitton, Paris, France Museum of Fine Arts, Boston, MA The Museum of Modern Art, New York, NY Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Pérez Art Museum, Miami, FL Sammlung Goetz, Munich, Germany San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA Walker Art Center, Minneapolis, MN and the Whitney Museum of American Art, New York, NY.


شاهد الفيديو: Проверка ФИТНЕС ТРЕНЕРА. Что он себе ПОЗВОЛЯЕТ! Худший ТРЕНЕР (قد 2022).